Adoración de los pastores, Francisco de Zurbarán

Queremos celebrar estas fiestas haciendo lo que mejor sabemos: hablar de arte.

Zurbarán no es un artista muy popular: sus pinturas oscuras no son actualmente de nuestro gusto. Sin embargo, sus obras son muy profundas y vale la pena conocerlas y entenderlas. 

Pintando en la costa italiana

Monet en Bordighera

Monet, Palmera en Bordighera, 1884

“ Querida señora,

(…) Cuando he terminado mi jornada de trabajo y me veo solo en una triste habitación de hotel, no dejo de pensar en usted y, si fuera posible, daría cualquier cosa por pasar una tarde a su lado; pero eso ya lo sabe, como también yo sé lo que piensa usted; no está bien que dude de ese modo continuamente de mí. Si soy feliz por trabajar en este hermoso país, mi corazón está en Giverny siempre y para siempre, ¿no lo duda, verdad? Y perdóneme por dejarla sola con todas sus preocupaciones.

Los extremos se tocan: el violeta

Kandinsky, Violeta, 1923
(litografía)

El violeta es un color ambiguo en varios sentidos. Por un lado, resulta de la mezcla del rojo y del azul, o sea, de la pasión y la espiritualidad, de las emociones y la razón; por otro, admite tintes que van desde un violeta rojizo hasta un violeta más azulado hasta llegar al negro. 

Debido a esta variedad de matices, nombrarlo dependerá en gran medida del contexto cultural y del idioma del que estemos hablando: ¿es “violeta”, “púrpura” o “morado”? “Morado” alude al color de las moras; sobre la diferencia entre los otros dos, y especialmente, del púrpura, hablaremos más extensamente en otra oportunidad. Valga ahora esta pequeña introducción. 

No siempre estuvieron ahí

El Museo del Prado en la Guerra Civil Española

El 3 de Mayo de 1808, Goya, 1814

Las Meninas de Velázquez, El 3 de Mayo de Goya… nos parece que siempre estuvieron colgados ahí, en las paredes del Museo del Prado. Pero no, no siempre estuvieron ahí.

"Laocoonte y sus hijos", El Greco

El Greco, Laocoonte, 1610

Este año que se está yendo fue dedicado a la obra de Doménico Theotocópulos, más conocido como El Greco, para celebrar el IV centenario de su muerte.

Ésta es una de sus últimas obras y la única de género mitológico. Es como un testamento artístico: en ella resume sus raíces griegas, su formación en Venecia y su desarrollo profesional en Toledo.

"Verde, que te quiero verde"

(Romance sonámbulo, F.García Lorca)

Picasso, Naturaleza muerta
en verde, 1914

Es el color de la naturaleza, del crecimiento, de la primavera… Lo verde es lo fresco, lo sano (por eso, las farmacias tienen como señal una cruz verde; está presente también en la caja de la aspirina), es lo inmaduro, y por lo tanto, el color de la juventud. Por eso, en algunas representaciones medievales de Jesús o San Juan Bautista como niños, aparecen con este color. Y lo que se espera después de un tiempo de carencia (como en el invierno), también es verde, por eso hablamos de la “verde esperanza”; en los ornamentos de la Iglesía Católica se usa para el tiempo litúrgico ordinario, el tiempo de la espera. Y por supuesto, los “verdes” son los que defienden la protección de la naturaleza.

¡La Gioconda se ha ido! (2da parte)

El robo de la enigmática dama

Duchamp, L.H.O.O.C.Q,
1919

El 21 de agosto de 1911 Vincenzo Peruggia, junto con los hermanos Lancellotti, se llevaron la Gioconda del Louvre, sin ningún problema. (Pincha aquí si no has leído el artículo anterior.)

En el juicio declaró que había sido un acto patriótico, aunque era evidente que buscaba dinero. Pero era poco verosímil que él hubiese ideado el plan. ¿Quién estaba detrás de todo esto? En un principio, Apollinaire y Picasso fueron involucrados: pregonaban a todos los vientos que había que matar al arte antiguo para dar paso al nuevo; pero los hechos revelaron que no tenían nada que ver con esto.[1]

¡La Gioconda se ha ido!

Leonardo, La Gioconda, 1502

El domingo 20 de agosto de 1911 hacía demasiado calor en París. Poupardin, el encargado de custodiar a la Mona Lisa, se echó una siestita.

Nada ocurría fuera de lo normal. El Louvre cierra los lunes, día de descanso y limpieza. El martes 22 Poupardin retoma su puesto. Louis Béraud estaba copiando la obra maestra de Leonardo, pero al llegar no la encuentra en su lugar. Le pregunta a Poupardin y le dice que quizás se la habían llevado para fotografiarla. No era nada anormal: en esa época no había que pedir permiso para retirar las obras y cualquier fotógrafo podía hacerlo, no había registro de ningún tipo. Y en esa época, el director había ordenado hacer un registro fotográfico de todas las obras. Pasan las horas y Béraud sigue esperando: la dama no vuelve. Nadie sabe dónde está, la buscan por todas partes, no aparece. Dan parte a la policía. Ésta cierra el museo: al público se le dice que es por una fuga de agua. Se cierran las fronteras, se revisan trenes y coches.

Rubens: mediador para la paz

Autorretrato, 1639

Rubens no sólo es el pintor de señoras gordas, retratos increíbles, escenas mitológicas y cuadros religiosos, sino también un diplomático que se movía como pez en el agua en las Cortes europeas. 

Retrato del duque de
Lerma, 1600

Sabía varios idiomas (latín, alemán, español, italiano, francés, inglés…), era un hombre cultísimo, apasionado por la Antigüedad Clásica, con modales propios de un noble y admirado por todos.

Su primera misión fue a los 23 años: el duque de Mantua lo envía como embajador a España, y qué mejor, pues Rubens era católico y de Flandes. Después de innumerables contratiempos, debidos a su inexperiencia, encuentra a la Corte en Valladolid, pero el embajador italiano, Iberti, se “olvida” de presentarle al rey Felipe III. Sin embargo, este viaje a España le servirá para hacer sus primeros contactos, p.ej., pintará el retrato del duque de Lerma.

Las contradicciones del amarillo

El color de la luz, (según Goethe), el color del sol, del otoño… pero también el color de la envidia, de la traición… Son las contradicciones del amarillo.

En culturas en las que el sol es una divinidad, a los dioses se los representa con este color; ¡los griegos se los imaginaban rubios! También es el del emperador chino, descendiente del Sol: así como en Europa los reyes se vestían con púrpura, un pigmento carísimo, así también en Oriente: en lugar de púrpura, azafrán, un pigmento también poco accesible para la mayoría. En el Asia es el color de la felicidad, de la sabiduría: así son las vestimentas de los monjes budistas. El Río Amarillo (Huang He) es así porque arrastra mucho lodo: es el río de la fertilidad.

En la mayoría de los países, el logo del Correo es amarillo, pues era parte del escudo del emperador Maximiliano I de Habsburgo (sg. XV) y así su uso se extendió a otros países. Como consecuencia, este color se aplica a los mensajeros en general, a los que unen a los hombres, a la confianza.

"La lección de Anatomía del Dr. Tulp"

Rembrandt, La lección de anatomía del Dr. Tulp, 1632

En la Holanda de Rembrandt era usual invitar al público a las lecciones de Anatomía. La gente sentía mucha curiosidad por ver cómo era realmente el cuerpo humano. En el siglo XVII no había ni radiografías ni ecografías ni escáneres. La única manera de saber algo más era presenciar la disección de un cadáver y aprender a partir de las explicaciones de un cirujano.
Hoy analizamos las dos "lecciones de Anatomía" de Rembrandt

Cartas de Goya

“Londres 2 de agosto de 1800[1]

Por Justos Juicios de Dios te molestaran mis bobadas, y aunque silbestres, las puedes Juntar con las tuyas, y echarlas á morder. Beras como ganan, con mucho, las mías pues tengo la banidad de que se pintan solas en el mundo.

María Cayetana de Silva,
duquesa de Alba, 1795

Mas te balia benir á ayudar a pintar a la de Alba, que ayer se me metio en el estudio a que la pintase la cara, y se salió con ello; por cierto que me gusta mas que pintar en lienzo, que tanbien la he de retratar de cuerpo entero y bendra apenas acabe yo,un borron que estoy aciendo de el Duque de la Alcudia á caballo que me embió a decir me abisaria y dispondria mi alojamiento en el sitio pues me estaría mas tiempo del que pensaba: te aseguro que es un asunto de lo mas dificil que se le puede ofrecer a un Pintor.

Rapsodia en azul

(Rhapsody in blue, G.Gershwin)[1]

El azul es el color favorito de la mayoría de los seres humanos, sin distinción de sexo, edad o cultura. No tiene connotaciones negativas y es aceptado en todas las ocasiones, salvo para la comida. (Ver esta entrada anterior.)

Picasso, El viejo guitarrista ciego,
1903

Si el rojo es el color que se acerca, el azul nos lleva al horizonte, a lo lejano. Y de ahí, la melancolía, la nostalgia del “blues” de los negros esclavos en América. Picasso inicia su “Período Azul” cuando sufre ante la muerte, la ausencia, de su amigo Casagemas.

Si el rojo es sinónimo de calor, el azul, del frío: en zonas donde hace mucho calor, se suelen pintar las paredes o los marcos de las ventanas con este color. También los productos congelados o de limpieza suelen tenerlo en sus envases.

¡Nuestro planeta se ve azul desde el espacio! Por ser el color del cielo y del mar está asociado a lo espiritual, a lo divino, a la eternidad. Estaba reservado a los faraones; también lo usaban los reyes franceses y de ahí decimos que los nobles tienen “sangre azul”. Los sueños, las fantasías, lo intelectual, los valores duraderos, la confianza, están relacionados con este color: decimos que queremos encontrar a nuestro “príncipe azul”, “Deep blue” es una máquina que juega al ajedrez, el Cuerpo de Paz de las Naciones Unidas son “los Cascos Azules”. Y los artistas del grupo “El jinete azul” (Kandinsky, Marc) pintaban caballos azules para llegar a la esencia, al espíritu del animal…

Recorriendo galerías

en Santiago de Chile

Agosto, mucho calor para el invierno de Santiago. Reencuentro con antiguas amigas, todas ellas, increíbles personas y magníficas pintoras. ¿Y qué mejor que compartir lo que más nos gusta, o sea, disfrutar y aprender de arte?

Primera estación: el nuevo espacio de exposiciones de Corpbanca (Centro Cultural Corpartes). La sala fue inaugurada con una muestra de Miró, 112 obras provenientes de la Fundació Miró, entre pinturas, esculturas y grabados.

Sorolla conquista París

“París 11 junio 1895.

Querida Clotilde:

Autorretrato con bata
 blanca, 1900

Hoy no he recibido carta tuya, cosa que extraño mucho, pero que me explico teniendo en cuenta que estáis en Buñol y que es muy fácil que la carta no llegase a tiempo en Valencia para salir para ésta.

Ya he visto el salón donde expuse mi cuadro, me produjo la impresión de poco luminoso pero de que era lo mejor pintado del salón, esto sí es verdad mal que les pese, Pedro está loco con él. Como me imaginaba ha sido propuesto para primera medalla, lo que tiene es que como debía ser única en la sección de pintura, les dolió fuera para un extranjero, paciencia, menos mal, confiesan su culpa.

Ahora me voy a ver la del Campo de Marte. Luego haré unas visitas y después a casa de Pedro a recoger tu carta si es que Dios quiere que llegue, y a cenar con ellos.

Cuidaros mucho, un abrazo a la mamá, besos a mis queridos hijos y muchos a ti de tu

Joaquín”

"Cristo y la adúltera" de "Vermeer"

(O cómo engañar a H. Göring)

Han van Meegeren (1899-1947) se había hecho famoso como pintor de retratos en la alta sociedad de La Haya, pero su estilo se había vuelto anticuado y las críticas sobre su obra eran lapidarias. Como venganza, hacia 1922 comienza a falsificar a grandes maestros holandeses, especialmente a Vermeer: un artista del que se sabe muy poco, que había sido redescubierto hacia 1866. Sólo 36 cuadros se le pueden atribuir con cierta seguridad.

Han van Meegeren
(Wikipedia)

Imagina composiciones a la manera de Vermeer y copia su firma. Los materiales debían resistir cualquier análisis de antigüedad e investiga cómo lograr que un cuadro parezca del siglo XVII. Compra lienzos de la época, les pule la pintura original; muele él mismo los pigmentos que se usaban en ese tiempo, fabrica sus propios pinceles… pero lograr que un cuadro tenga de repente 300 años no es cosa fácil. Después de varias pruebas, consigue la fórmula perfecta: agregar baquelita (o sea: plástico) en los pigmentos y diluye la mezcla con trementina; luego, hornea el cuadro a 120° durante 2 hs. Así logró que el óleo tuviese la dureza propia de una obra realmente antigua. Pero había que reproducir también el craquelado que el paso de los años deja en el óleo: le da una capa de barniz, lo deja secar y, entonces, lo va partiendo con sus manos en distintas direcciones; le vuelve a dar una capa de barniz y de nuevo lo mismo. Luego, le echa suciedad a esas grietas y rellena cada una de ellas con tinta negra.

Tarde de domingo en la Isla de La Grand Jatte 1884, Georges Seurat

Son miles de puntos de colores puros pintados sobre un lienzo durante 2 años. Seurat consideraba el cuadro como un experimento científico de color y composición.

Analizamos hoy su obra Tarde de Domingo en la Isla de la Grand Jatte, 1884.

Giotto, contado por Giorgio Vasari

Vasari, Autorretrato

“Así se ve que el estilo griego se perdió completamente primero en los comienzos, con Cimabue, después con la ayuda de Giotto, con quien nació una nueva maniera, que yo designo, con placer, “estilo de Giotto” porque fue descubierto por él y continuado por sus discípulos, siendo más tarde venerado e imitado por todo el mundo. En este estilo se suprime el perfil que rodeaba completamente las figuras y los ojos, que parecían de endemoniados, los pies rectos y de punta, las manos afiladas, la ausencia de sombra y otras monstruosidades de aquellos bizantinos, y se dio más gracia a las cabezas y mayor suavidad a los coloridos. Giotto pintó sus figuras en actitudes más correctas y empezó a dotar de realismo a los rostros, plegó los paños con más naturalidad que sus antecesores y halló, en parte, el difuminado y el escorzo de las figuras. Asimismo empezó a representar expresiones en los rostros, como el temor, la esperanza, la ira o el amor, y el estilo que antes era rudo y difícil con él se hizo suave. Y si no hizo los ojos con el movimiento propio de los vivos ni el final de los lagrimales, ni los cabellos ni las largas barbas con morbidez, ni las manos con sus nudillos y músculos, ni los desnudos como son en realidad, lo debemos excusar por la dificultad del arte y por no haber visto pintores mejores que él de quien aprender.”

Giorgio Vasari, Las vidas

Proemio a la Segunda Parte

Rojo fuego, rojo pasión....

El rojo es el color por excelencia:  es  el primero que los niños reconocen y nombran;  nos atrae de manera especial desde pequeños. En todas las culturas está relacionado con el fuego y, por lo tanto, con el calor y la luz, y con la sangre, o sea, con la vida, la fertilidad y el sacrificio. Cada cultura le asignará cualidades positivas o negativas: valentía, amor, fertilidad u odio, agresión, pecado, guerra. Es el color de todas las pasiones, las buenas y las malas, de la vergüenza, de la timidez, de la ira… Los corazones se pintan de rojo y las rosas rojas son símbolo del amor.

El agua caliente la señalizamos con rojo y las cabezas de las cerillas (fósforos) también son rojas.

Dentro de los colores litúrgicos de la Iglesia Católica se usa éste en todas las fiestas relacionadas con el Espíritu Santo (Pentecostés y confirmaciones) pero también en las relacionadas con la Pasión de Cristo (Domingo de Ramos y Viernes Santo) y todas las de los santos que murieron en el martirio, en alusión a la sangre derramada. Por eso, en la representación de Cristo en las pinturas de la Edad Media sus vestimentas son rojas.

Monet: un gourmet

Monet, El almuerzo, 1873

En sus primeros tiempos de pintor rechazado por la crítica y por el público, que apenas podía vender cuadros, Monet era ayudado económicamente por sus amigos, hasta tal punto que Renoir sacaba las sobras de la casa de sus padres para que él pudiera comer… En esas épocas se contentaban en las tabernas con una sopa, carne, alguna ensalada, queso como postre, pan y vino.

Van Gogh, desde St. Rémy

"Mi querido hermano:

Autorretrato,
1889

(…) Esta inevitabilidad del sufrimiento y la desesperación - de todos modos, aquí estoy de nuevo, recuperado por un período.  Estoy agradecido por ello.

Te escribo esta carta poco a poco en intervalos cuando estoy cansado de pintar. El trabajo está yendo bastante bien. Estoy luchando con un lienzo comenzado unos días antes de mi indisposición. (...)

(...) ¿Y qué debo hacer: continuar aquí  estos meses, o irme?  No lo sé. La cosa es que cuando las crisis se presentan no son divertidas, y correr el riesgo de tener un ataque  como ése contigo u otros es grave.

Composición en rojo, amarillo y azul, Piet Mondrian

Mondrian, Composición en rojo, amarillo y azul, 1928

Para Mondrian los vitrales medievales eran la unión perfecta de la luz, el espíritu y el arte. Así fue como quiso atrapar los colores puros dentro de una rejilla de lineas negras, como si fueran las líneas de unión y los vidrios de colores de las ventanas de las antiguas catedrales.



¿Vemos qué hay detrás de este cuadro?

Recuerdos de la Antigüedad: la Sección Áurea

Un recurso muy importante para la composición en pintura es la llamada Sección Áurea, Trama armónica o Proporción Divina. 

Se trata de una construcción geométrica basada en un sistema proporcional según la división constante del número de oro 1,618… o φ (phi por Fidias) ([√5 +1]:2), a través de la cual los antiguos buscaban llegar a formas perfectas y armónicas, como símbolo de la Belleza y del Orden del cosmos.

Se atribuye la invención a los pitagóricos, en la Grecia del siglo V a.C., pero la formulación nos ha llegado a través de Euclides (III a.C.). La utiliza todo movimiento estilístico que tenga como modelo la tradición clásica, p.ej. el Renacimiento o el Neoclasicismo, pero también aparece en Mondrian, Seurat, Serusier, los cubistas o en Le Corbusier.

Leonardo da Vinci,
La Última Cena

Se aplica a todas las disciplinas artísticas, pero en el caso de la pintura, este modelo ayuda a encontrar el punto focal de la composición, cómo  ubicar las figuras, el horizonte y que a la vez la composición resulte equilibrada.

La obra maestra de Vicente Carducho

Galería
del Monasterio
(foto: C.del Rosso)

 Hace unos meses tuve la oportunidad de visitar el monasterio de Sta. María del Paular, junto con el grupo de alumnos del Programa Senior de la Univ. de Navarra y quiero compartir con todos ustedes esta experiencia.

Autorretrato, 1633

Realmente debo confesar que Carducho para mí era una línea  en una enciclopedia sobre el Barroco Español, pero en cuanto me puse a investigar sobre su obra, se fue abriendo para mí un autor de una categoría e inventiva impresionante.

Era originario de Florencia, muy famoso en la Corte española, pintor de los reyes  Felipe III y IV, que tuvo la desgracia de tener que convivir con un genio, Velázquez, un mozalbete de 24 años, talentosísimo, con ganas de destacarse y que se convierte enseguida en favorito del rey Felipe IV. Carducho, en su Diálogos de la Pintura, no menciona a Velázquez directamente, pero las alusiones y críticas a su rival son más que claras.

"La muerte de Marat", Jacques-Louis David

13 de Julio de 1793, París en medio de los años del Terror posteriores a la Revolución Francesa.
Marat, "el Amigo del Pueblo", es asesinado y a David, su amigo, le encargan pintar este cuadro.
En esta entrada del blog analizamos el cuadro y te contamos todos los pormenores de este suceso histórico.

Un color no es sólo un color...

Los colores no son sólo luz reflejada que entra por nuestros ojos: ellos influyen en nuestro ánimo, tienen distintos significados según parámetros culturales, psicológicos, subjetivos… De estos aspectos nos vamos a ocupar de ahora en adelante.

Pintamos las paredes de nuestros dormitorios con colores suaves y fríos para favorecer el descanso. Si a alguien se le ocurriese pintarlo de un rojo vibrante, creo que tendría muchos problemas para conciliar el sueño. El agua caliente se señala con rojo; la fría, con azul y las láminas de anatomía nos enseñan las arterias coloreadas con rojo y las venas, con azul!!!! ¿Y las señales de tránsito????

Haz una prueba: pon colorante azul (por favor, ¡de los permitidos en la cocina!) a alguna comida, al arroz, por ejemplo, o a la masa de galletas o bizcochos. Te apuesto a que nadie querrá comérselos! ¿Por qué pasa esto? Porque el azul no es un color propio de los productos que normalmente usamos para comer y nos produce rechazo y desconfianza…

De estas cosas iremos hablando en los próximos artículos sobre el color…

Pero antes de eso, valga como resumen introductorio lo siguiente:

Hablan los artistas: Leonardo da Vinci

¿Cuál es mejor: la pintura o la escultura?

“[89] Dedicándome yo a la escultura no menos que a la pintura, ejecutando lo mismo una que otra, me parece que estoy en situación de decidir cuál es de entre las dos la que contiene más inventiva, y cuál es la más difícil y perfecta.

La escultura está subordinada a ciertas luces, (…) mientras que la pintura lleva siempre consigo su claroscuro. (…) El escultor no puede diversificar los caracteres diferentes del color, mientras que el pintor los produce todos. (…) No puede representar los cuerpos transparentes ni los luminosos, ni las formas reflejadas, (…) ni las nubes ni la velocidad. (…)

[90] La escultura no es ciencia, es arte completamente mecánica, que engendra sudor y fatiga corporal en el que la ejecuta, (…) limitándose a mostrar a los ojos el objeto tal como es, sin suscitar la admiración que en el contemplador ocasiona la pintura, cuando, por medio de una superficie plana consigue, a fuerza de ciencia, hacer ver amplias campiñas con sus horizontes lejanos.

Hablan los artistas: Miguel Ángel Buonarroti

¿Cuál es mejor: la pintura o la escultura?

M.Venusti, Retrato
de Miguel Ángel, 1535

“…Yo digo que la pintura es mejor considerada cuanto más cercana está al relieve, y el relieve menos cuanto más cercano está a la pintura, por lo que a mí solía parecerme que la escultura fuese la linterna de la pintura, y que de una a la otra hubiese esa diferencia que hay del sol a la sombra. Ahora, después de que he leído vuestro libreto, (…) he cambiado de opinión y digo que, si mayor juicio y dificultad, impedimento y trabajo, no otorgan mayor nobleza, entonces la pintura y la escultura son lo mismo, y para que sean consideradas así, no debería ningún pintor ser menor en la escultura que en la pintura,  lo mismo el escultor sobre la pintura que la escultura. Yo entiendo la escultura como aquella que se hace por fuerza de quitar, [mientras] aquella que se hace por la vía de añadir, es parecida a la pintura. Basta que viniendo una y otra, escultura y pintura, del mismo entendimiento, se pueda crear una válida paz entre ellas y dejar de lado tantas disputas, (…) Así, quien escribió que la pintura era más noble que la escultura, (..) mejor las hubiera escrito mi criado. Infinitas cosas, nunca dichas, se podrían añadir de estas ciencias, pero como he advertido, se necesitaría demasiado tiempo, y yo tengo poco, porque no sólo soy viejo, sino que casi estoy en el número de los muertos. Por eso ruego me déis por excusado. Y a vos me encomiendo y os agradezco cuanto sé y puedo por el excesivo honor que me hacéis, no conveniente para mí,

vuestro Miguel Ángel Buonarroti en Roma”

"Sugerencias de los Sentidos", Ciudadela de Pamplona

Siempre se nos ha dicho que lo virtual es la única forma para el ser humano para superar los límites espacio-temporales, y en este intento, les entrego una muestra de mi exposición actual en la Ciudadela de Pamplona, "Sugerencias de los Sentidos".

Esto no pretende ni mucho menos ser un sustituto. La experiencia del arte nunca es mayor que cuando se encuentra uno en la intimidad con el cuadro. Siempre que les sea posible, les recomiendo que pasen por la Ciudadela.

¿¿¿¿POP?????

Música pop, arte pop, movimiento pop… ¿Qué es el POP???

El Pop Art es un movimiento que surge en el Reino Unido a mitad de los años ‘50, por un grupo de artistas reunidos bajo el nombre de “Independent Group”. “POP” es la abreviatura de “Popular Art” y lo propone Alloway en 1954, uno de los fundadores del grupo. Usaban el lenguaje de la cultura de masas, incorporándola al mundo del arte y, a la vez, criticándola irónicamente. Sus obras son figurativas, como reacción a la pintura abstracta y al surrealismo, y, en su mayoría, collages hechos a partir de imágenes de la publicidad, de los medios de comunicación, etc.

J.W.M. Turner: Tormenta de nieve en el mar

 

¿Cómo pintó Turner Tormenta en el mar? ¿Por qué fue tan criticado por unos y tan criticado por otros?

Un artista que quiere plasmar en sus obras la fuerza indómita de la Naturaleza...

El azul Klein es el azul del cielo

Hace unos días unos alumnos me invitaron a una tertulia de arte, organizada por ellos en una casa. El tema era Yves Klein. Confieso que es un autor que no me llama la atención, pero entiendo que a muchos de ustedes les puede gustar y aquí va mi informe:

La charla fue dada por Javier Ortiz Echagüe, que está a punto de publicar un libro sobre el tema,  con un enfoque distinto que hace entender mejor la obra de este pintor.

Klein, Monocromía azul,
relieve con esponjas
1958 (Wikipedia)

Klein en su juventud fue judoca (¡llegó a ser entrenador de la Selección Española de Judo!) y un buen día decidió dedicarse a la pintura. Sus padres eran artistas, así que no era tan descabellado este cambio. La base filosófica del judo, es decir, el ansia de superar los límites de lo material, del cuerpo, fue la obsesión que sirvió como base a toda su obra. Parte por querer abarcar el azul del cielo de Niza, su ciudad natal, y fijarlo en el lienzo: surgen así sus pinturas monocromas azules. De ese cielo nace su pasión por el azul y más tarde  patentará el proceso de preparación del que hoy llamamos el azul Klein, un azul vibrante con matices violáceos (Color Index nº IKB 191). Y luego querrá abarcar el azul del mar y aparecerán las esponjas pegadas en sus lienzos. ¿Y las “Antropometrías”? Para él eran manifestaciones de la espiritualidad encarnada. Pero el cuadro tiene un contorno y él quiere representar lo infinito… y seguirá buscando. Esto lo llevará a  vender espacios de aire a precio oro! (a los que llamó “Zonas de Sensibilidad Pictórica Inmaterial”) o a armar exposiciones de lo inmaterial en donde la galería está vacía! O tratar de levitar lanzándose al vacío o pintar con fuego… Está buscando lo Absoluto, el Cielo, lo inmaterial pero con elementos materiales. Poco a poco se dará cuenta de que su objetivo es una utopía, algo realmente imposible de realizar.

¿Qué es un color? (2da parte)

Salvo los artistas que crean con luces o en el cine o en el arte digital…, en el arte en general, y en la pintura especialmente, usamos los colores como luz reflejada.

Las teorías sobre el tema aparecen ya con Aristóteles y se suceden desde entonces.  Las dos más importantes son la de Newton (Óptica, 1704) y la de Goethe (Teoría de los colores, 1810). El resto de las teorías derivan de estas dos y se centran en la organización de los colores en el círculo cromático y en el problema de su percepción. Las actuales se dedican a estudiar la tridimensionalidad del color, que se aplica más que nada en el cine o informática, y en la compatibilización de los sistemas de reproducción entre sí.

¿Qué es un color? (1ra. parte)

Vivimos rodeados de colores. Los vemos en las flores, en el arco iris, en la pantalla del televisor, del teléfono, en las tendencias de la moda… pero ¿qué son?

El color es luz modificada al chocar contra la materia. Así nos lo cuentan los que se dedican a esa parte de la Física llamada Óptica. Y que con el ojo como instrumento esa luz modificada despierta una señal en nuestro cerebro.

Newton nos confirmó que la luz es la fuente de todos los colores: su mérito fue “fabricar” un arco iris y convertirlo en luz blanca. La luz es un tipo de energía que transcurre en ondas tranversales, que van desde los 390 a los 760 nanómetros; p.ej., las ondas de las cuales resulta un rojo van de los 760-680 nm y las del violeta, de 450 a 390 nm. Fuera de esos rangos los seres humanos no percibimos nada más: ni la luz ultravioleta ni la radiación infrarroja ni los rayos X…

Kandinsky, La esencia del arte

Leyendo para ti…

Hablan los artistas:

Vasili Kandinsky

“La verdadera obra de arte nace misteriosamente del artista por vía mística. Separada de él, adquiere vida propia, se convierte en una personalidad, un sujeto independiente que respira individualmente y que tiene una vida material real. No es pues un fenómeno indiferente y casual que permanece indiferente en el mundo espiritual, sino que posee como todo ente fuerzas activas y creativas. La obra de arte vive y actúa, colabora en la creación de la atmósfera espiritual. Desde este punto de
vista interior, únicamente puede discutirse si la obra es buena o mala. (…) un cuadro no es ‘bueno’ porque sea exacto en sus valores (…) sino porque tiene una vida interior total. El ‘buen’ dibujo es aquel que no puede alterarse en absoluto sin que se destruya su vida interior, independientemente de que el dibujo contradiga a la anatomía, a la botánica o a cualquier otra ciencia. (…) En pocas palabras: el artista no sólo puede sino debe utilizar las formas según sea necesario para sus fines. (…)

El Curriculum de Velázquez

Curriculum vitae

Diego Rodríguez de Silva y Velázquez

Bautizado en Sevilla el 6 de junio de 1599       

Estudios

Taller de Francisco Herrera el viejo 1609 aprendiz

Taller de Francisco Pacheco. 1610-1616

Asociaciones

Gremio de San Lucas, Sevilla, 1619

Accademia di San Lucca, Roma, 1650

Congregazione dei Virtuosi, Roma, 1650

Pintor de Su Majestad Felipe IV 1623

Ujier de cámara de Su Majestad Felipe IV 1627 -1634

Ayuda de guardarropa 1636

Ayuda de cámara de Su Majestad Felipe IV,  1643

Superintendente de Obras Particulares 1643

Aposentador mayor de palacio 1652

Orden de Santiago 1658

                                               Madrid, 6 de agosto de 1660 †

Como pintor del rey no sólo se ocupaba de pintar los retratos de la familia real y la corte sino también de copiar y restaurar obras y organizar la colección en los Sitios Reales. Como ujier de cámara debía controlar las puertas de la antecámara y sus visitantes. Como ayuda de guardarropa debía velar por el protocolo en la vestimenta de los visitantes y el decoro del personal del palacio. Como ayuda de cámara estaba presente en las comidas del rey, abría las puertas a los visitantes, controlaba el alumbrado y el aseo de la habitación del rey.  Acondicionaba los Sitios Reales como Superintendente de Obras Particulares y elegía las obras para decorarlos. Y como Aposentador Mayor de palacio, organizaba todos los traslados de Su Majestad, alojamientos, provisiones, el viaje, las ceremonias y fiestas; controlaba el cierre y apertura de las puertas, ponía la mesa cuando el rey comía en público, atendía a la calefacción.

Si bien tenía ayudantes en su taller, hacía todo esto además de pintar.

¿Por qué don Diego aceptaba todos estos cargos? ¿No lo distraían de su pintura? ¿Quizás porque apreciaba la cercanía con el rey? ¿Por mera ambición? ¿Para escalar en su rango social? Preguntas sin respuestas….

cristinadelrosso.com // cristinadelrosso.artproject@gmail.com

Agradecimientos a: TypeSETit por la fuente Great Vibes, Sorkin Type por Merriweather Sans Font y a WikiCommons por la firma. Fuente: Bennassar B., Velázquez. Vida, Madrid, Cátedra, 2012. Diseño: