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| Matisse, Naturaleza muerta con limones, 1943 |
De vacaciones
Composición en Pintura:
Inserción en una figura geométrica
Hoy voy a apelar a tu
imaginación.
El tipo de composición que te voy
a explicar es pura geometría. Los pintores dividimos el plano de la tela en
campos. Pensamos en fuerzas, en vectores. ¿Y si insertamos en
el rectángulo otra figura geométrica, como, por ejemplo, un triángulo? Por
supuesto, una figura geométrica virtual, imaginaria.
Monet, Palacio Ducal, Venecia, 1908
De vacaciones
Composición en Pintura:
Patrones y ritmo
Cuando miro este cuadro de Monet,
me pregunto siempre por qué lo pintó, qué le llamó la atención y por qué esa
repetición de arcos del palazzo veneziano. ¿Qué sentido tiene? ¿Fue sólo
un ejercicio o más bien, la necesidad de capturarlo todo, no dejar de pintar ni
un instante desde la góndola (lo vimos aquí)?
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| Monet, Los 4 árboles, 1891 |
Existe lo que llamamos Composición en patrones o ritmo, cuando repetimos a propósito ciertos elementos. El caso de Monet en Venecia es muy claro. Pero mira éste. Es lo mismo.
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| Caillebotte, Llanura de Gennevilliers desde Argenteuil, 1888 |
De vacaciones
Composición en Pintura:
Ejes
Hay otras formas de componer un
cuadro que son más fáciles de descubrir.
Tomamos el rectángulo y marcamos
sus ejes verticales u horizontales. Así lo dividimos en zonas y colocamos las
figuras protagonistas según esos ejes.
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| Cézanne, Castaños en Jas de Bouffan, 1885 |
Este tipo de composición la puedes encontrar en los paisajes con árboles, en llanuras… o en señoritas descansando en una tarde de mucho calor.
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| Estes, Avery Fisher Hall, 2003 |
De vacaciones
Composición en Pintura:
Necesidad de profundidad
De nuevo y no me canso de repetirlo: la Pintura es bidimensional, le falta la dimensión de la profundidad y está condicionada por esta situación.
Podríamos resumir la Historia de la Pintura en el esfuerzo que significó lograr engañar al ojo y
convencerlo de lo que hay en el cuadro es real. La “conquista del espacio” del
plano se gestó durante muchísimos siglos. ¿Cómo hacer para reproducir la realidad
cuando no tenemos esa 3ra dimensión? En la Edad Media no sabían cómo hacerlo.
Copiaban lo que veían, pero sin un sistema (lo vimos por aquí); hasta que
llegaron los genios del Renacimiento y aplicaron la geometría a los cuadros (lo vimos por aquí). Es en el Renacimiento cuando se consolida ese esfuerzo por
lograr la profundidad con la invención de la perspectiva lineal, es decir,
geométrica.
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| Leonardo, La Última Cena, 1495, fresco |
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| Van Gogh, Noche estrellada, 1889 |
De vacaciones
Composición en Pintura
Otro ejemplo de tensión es lo que yo llamo
“Preferencia por el lado izquierdo”. En realidad, es un tema relacionado con lo
que vimos la semana pasada, pero, como se me estaba haciendo muy largo, lo dejé
para hoy, así te lo explico bien.
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| Monet, Almiar en Giverny, 1891 |
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| Hodler, Lago Thuner con reflejo simétrico, 1904 |
De vacaciones
Composición en Pintura
1 Nos
gusta la armonía. (¿Seguro?)
Ha llegado la época de las
vacaciones. Quizás te toque la piscina y el aire acondicionado o quizás
estés con bufanda y guantes.
Para mí es muy difícil en este
momento del año encontrar qué tipo de artículos puedo ofrecerte. Desde hace un
tiempo opté por presentarte un bloque temático, de tal manera que tengas un
tema explicado de manera más organizada, aunque quizás no sea para leerlo
tumbado en la playa. O tomando un té caliente al lado de la estufa.
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| Turner, Tormenta de nieve en el mar, 1842 |
(¿La pasión por el arte se toma vacaciones?)
Y como en algún momento te lo
sugerí, este año en “De vacaciones” elegí hablarte sobre qué es la Composición
en Pintura. Es un tema largo y que hay que conversarlo despacio, por eso me
pareció que es una buena oportunidad para “atacarlo”.
Pequeño intercambio de opiniones
en mi casa.
Tú dirás: “¡Qué gente más densa
ésta! ¿Siempre hablando de estas cosas?”. Qué le vas a hacer, es lo que toca.
Viene alguien a casa, me preguntan en qué ando, conversamos, el tema deriva a
otra cosa y chau, ahí me ves explicando esto o lo otro.
Esta vez la conversación surgió
por un comentario acerca del Museo de Bellas Artes de Chile. Si alguna vez
andas por Santiago de Chile, tienes que visitarlo (te comenté algo por aquí).
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| Caillebotte, Veleros en el Sena junto a Argenteuil. 1892 |
El ingeniero Caillebotte
Hay personas que, cuando se ponen
un objetivo por delante, no paran hasta conseguirlo. No importa el tiempo o el esfuerzo que
les lleve esa meta. Y si son perfeccionistas, no lo dejarán hasta que sea lo
mejor de lo mejor.
Gustave Caillebotte fue una de ésas.
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| Caillebotte, Remeros en el Yerres, 1877 |
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| Goya, Los desastres de la guerra, Así sucedió, 1820, grabado |
El General Álava y el Louvre
Órdenes son órdenes y cuando el
Patrimonio Cultural Nacional está en juego no hay mucho margen de duda.
Si te pregunto si sabes quién fue el Gral. Álava y cuál fue su mayor logro, seguramente me dirías que no lo conoces. Y no te culpo: es uno de esos personajes históricos que quedan relegados en alguna página, mientras prestamos atención a otros acontecimientos.
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| Salter, Miguel Ricardo de Álava, 1840 |
Hace algún tiempo te traje la
historia del “Spanish Gift”, con Fernando VII y el duque de Wellington. El
equipaje del rey José. (Lo vimos por aquí.) En esa oportunidad te conté qué
había pasado con las obras de arte de las que José I Napoleón (y el mismo
Napoleón y otros tantos mariscales, como, p.ej., Soult) se había apropiado en
la invasión a España y en la Guerra por la Independencia. El asunto no terminó
ahí.
.jpg) |
| Flaugier, José I, 1809 |
Y tuvo final feliz.
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| Van Gogh, Calle en Auvers, 1890 |
¿Qué es la imprimación
de un lienzo?
¿Alguna vez oíste hablar de la
imprimación de los cuadros? Salió el tema en un almuerzo con unos colegas y aquí vengo a contarte lo que les expliqué.
(Y ya me dirás: “¿A ti te preguntan siempre sobre estas cosas?". Pues sí.)
La imprimación es la primera base
que se le da a un soporte que se va a pintar, ya sea tela, madera, una pared…
como preparación. Quizás, si haces cerámica o has pintado alguna vez una pared
de tu casa o un mueble, habrás oído hablar de esto.
Macke, Pareja junto a
la mesa del jardín
Un señor con sombrero leyendo el
diario. Una señora con su sombrilla. Los dos junto a la mesa de su jardín. Ella
lo mira. Él sigue leyendo.
No tienen rostro. ¿Quiénes son?
Están en un jardín lleno de
plantas y arbustos. El cielo es de un azul profundo. ¿Dónde están?
Si te digo que están en Bonn, no
me lo creerías. No es una ciudad que goce de semejante color del cielo.
Este cuadro lo pintó August
Macke, uno de los fundadores de “El Jinete Azul”, del Expresionismo alemán (lo vimos aquí).
Era verano.
Macke había vuelto de Túnez y
llevaba dentro suyo la luz que había respirado allí (lo vimos por aquí). El
viaje no cambió su paleta: la reafirmó. Al llegar a casa entró en un torbellino
de actividad increíble: pintó alrededor de 50 cuadros en pocos meses.
En agosto de 1914 fue convocado
para combatir en la guerra, la Gran Guerra. Murió al mes siguiente en combate,
con 27 años. Es como si hubiese sabido que le quedaba poco tiempo de vida.
Y, a pesar del contexto político,
sus cuadros siguen siendo vibrantes, coloridos, como si en el mundo no pasase
nada.
Te invito a contemplar este
cuadro en la presentación de este mes.
Es precioso, ¿no crees?
Fuentes:
Marc-Macke. Briefwechsel, 1910- 1914. Berlin, Holzinger, 2014
Meseure,
A. Macke. Colonia, Taschen, 2015
Este miércoles 10 de junio tenemos nueva Clase Magistral online de mi curso Color sin miedo, a las 19 hs (Madrid).
Es la 3ra edición que hago de este curso. La vez anterior mucha gente se quedó fuera por el horario y me pidieron si por favor lo podía repetir.
Y aquí me tienes.
En esta Clase te enseño a entender el fenómeno del color sin complicarte la vida.
¿Te ha pasado que te sientes insegura al combinar tus colores?
¿En cómo te vistes todos los días? ¿Al decorar tu casa? ¿En tus proyectos creativos, como bordados, tejidos, cerámicas, tus cuadros?
Nunca nos enseñaron a combinar colores; sin embargo, los tenemos que usar todos los días e influyen en nuestro bienestar, en nuestras actividades laborales...
Si te interesa, tienes más detalles por aquí
Son muy pocas plazas, pues me dedico de manera personalizada a cada alumna.
Después de la Clase te voy a ofrecer un taller de 2 días online, totalmente personalizado, según tus necesidades. También puedes optar por una asesoría individual.
¿Nos vemos en la Clase?
Tengo muchas ganas de compartir contigo mi pasión por los colores.
Cierro las inscripciones el 8 de junio, 20 hs de Madrid.
Manet, La Barra del Folies-Bergère
Éste es uno de los cuadros de
Manet que más me gustan. ¿A ti?
Incluso lo copié cuando estudiaba.
Muy, pero muy complicado: retrato, espejos, flores, un bodegón… Mi copia estuvo
colgada durante mucho tiempo en un rincón oscuro de mi casa y nadie le prestaba
atención. Y yo lo miraba al pasar, siempre pensando en que, bueno, no era una
buena copia, pero que quizás merecía un lugar mejor.
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| Manet, Rosas y lilas en un jarrón, 1882 |
Hace tiempo que te lo quería
traer. Es la última gran obra de Manet, que ya estaba muy enfermo. No es la
última: al final de su vida, sólo pintaba ramos de flores, que Marie
Bracquemond le llevaba para que se entretuviera y pudiera seguir trabajando.
Y dudaba mucho en presentártelo.
No por la dificultad o por la planificación, sino porque se ha escrito tanto y
tan bien, que difícilmente pueda yo aportar algo nuevo. (Te dejo debajo la cita
del artículo de McCouat, por si quieres profundizar más y ver los gráficos
explicativos; está disponible en internet.)
Lo voy a intentar.
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| Van Gogh, La vieja torre de los campos, 1884 |
Los colores
transparentes
Discúlpame que hoy me ponga un poco densa. Tengo una amiga que me lo recrimina siempre. Qué le vas a hacer:
deformación profesional.
Tú sabes, mi pasión son los
colores, el fenómeno del color, cómo los percibimos, cómo los usamos, cómo nos
influyen en nuestro día a día.
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| del Rosso, Casa Sorolla, fragmento |
Estoy con un cuadro entre manos
de mar, rocas, olitas que cubren la arena de la orilla con una tenue capa de
agua al irse. No es difícil, ya lo he trabajado muchas veces, pero no te lo voy
a negar: cuesta mucho darle el tono justo a esa arena húmeda y, a la vez,
captar el movimiento del mar, de sensación de agua que se retira. Mientras lo
pintaba, me acordaba de otro cuadro de hace unos años (lo puedes ver por aquí),
que, oh, ése sí que fue un gran desafío. ¿Cómo conseguir que las baldosas del
jardín de la Casa Sorolla den la impresión de estar húmedas, por el agua que
cae de la fuente? Fueron cientos de veladuras, una sobre otra.
Una veladura es una capa de pintura muy transparente, un velo de color. Se hace con mucho aceite o médium con una pizca de pintura y nada más. Siempre sobre la pintura seca, si no, haces un estropicio. Esa capa transparente se deja secar y de nuevo, otra hasta conseguir el efecto deseado.
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| Leonardo, La Gioconda, 1519 |
Así está pintada la Gioconda.
Cuando la luz pasa por esas infinitas capas de color transparente, el rostro
parece moverse, estar vivo.
Esto, en teoría del color y de la
percepción, se llama “color laminar”.
El profesor Albers, de quien
hablamos por aquí, postuló dos clases de colores transparentes, en un intento
de entender cómo la luz interactúa con la materia.
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| Klee, Arquitectura de los niveles, 1923, acuarela |
Todos los cuadros están pintados
con lo que él llama “color superficial”, es decir, un color sólido, de
pigmento, sobre una superficie opaca, que absorbe una determinada onda de luz y
rechaza otras. P.ej., un tomate absorbe todas las ondas de luz y rechaza la
roja y por eso lo vemos de color rojo. Esto pasa con todos los objetos con los
que maniobramos todos los días.
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| Tiziano, La Dolorosa con las manos cerradas, 1554 |
Pero ¿qué pasa con los colores transparentes? A éstos Albers los clasifica en dos grupos: “color laminar” y “color volumétrico” y tienen que ver con los colores en estado líquido.
El “color laminar” es un color
transparente que se extiende sobre otro y lo tiñe. P.ej., la luz del atardecer
hace que los edificios, el paisaje, se tiña de un color rojo-naranja, y sabemos
que los árboles y las casas no son originariamente de ese color. Sabemos
perfectamente que el causante de este fenómeno es el sol que se pone detrás del
horizonte.
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| (Imagen: diario ABC) |
En Pintura, los colores laminares los vemos en las veladuras, como te comentaba más arriba. Capas y capas de aceite o médium con una pizca de color, que manchan el color original, el que está debajo.
Turner, Tiziano y tantos otros
utilizaron las veladuras como recurso técnico. Aunque, para mí, el genio de la
veladura es Rothko. Decía que la pintura tenía que aplicarse en la tela como
exhalando un suspiro. Sus cuadros están hechos con miles de capas de colores
transparentes. Lamentablemente, las fotos no trasmiten todo este trabajo y las
sensaciones que produce. Si alguna vez puedes estar frente a un Rothko, te
cautivará, te lo aseguro.
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| Rothko, N° 6, 1951 |
La sombra también es color laminar. P.ej., en este cuadro de Mary Cassatt, ¿la chica tiene piel verde? No, es que está teñida por el entorno verde del palco del teatro, de las cortinas. Ella está a contraluz, es todo sombra, sombras coloridas. Mary era muy atrevida, ¿cómo se le ocurre pintar a esta chica así?
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| Cassatt, Mujer con collar de perlas, 1879 |
En cambio, ¿qué pasa con la acuarela? Convengamos que también es color en estado líquido, ¿no? Sí, pero aquí hay un problema: no es exactamente un color laminar, sino superficial, pues no estamos cambiando un color original con una capa delgada de otro color. Sólo se podría aplicar este concepto si usamos la acuarela como veladura, con superposiciones de colores que tengan la intención de cambiar el color subyacente. Un maestro en este sentido es Klee. En “Separación vespertina” se ve perfectamente esas gradaciones de color por superposición (si te interesa, analizamos aquí este cuadro). Lo mismo en “Arquitectura de los niveles”.
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| Klee, Separación vespertina, 1922, acuarela |
¿Y el “color volumétrico”? Este
concepto ya no se puede aplicar a la Pintura, pues tiene que ver con objetos
tridimensionales, es decir, líquidos transparentes coloridos en un recipiente.
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| (foto propia) |
Albers pone como ejemplo el café
en un vaso de vidrio. Ese café en una cucharita tiene otro color y sigue siendo
el mismo café. ¿Por qué pasa eso? Pues porque en recipientes de diferentes
estructuras, la luz rebotará de manera diferente, aunque sea el mismo líquido:
tendrá una densidad diferente.
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| Turner, Roma moderna: Campo Vaccino, 1854 |
Otro ejemplo quizás más claro es éste: ¿has visto alguna vez que los escalones de una piscina cubiertos con agua son de diferente color? La piscina no ha cambiado el color del fondo; lo han pintado con la misma lata de pintura. Lo que cambia es la densidad que tiene el agua en cada escalón. Lo mismo pasa con el mar: el borde costero tiene color más claro que el mar profundo. Existe una ley que se llama de Weber-Fechner, que cita Albers, que consiste en aplicar un modelo matemático para calcular la dimensión del color según la estructura del recipiente. No pretendo explicarte la ecuación (además de que ¡no sería capaz de hacerlo!).
Asunto encajes: cuando
representamos encajes, como esos maravillosos del Barroco holandés, ¿cómo
“encajan” en esta teoría? Pues, en realidad, es color superficial. Se pinta
sobre la base que se debe traslucir. La sensación de relieve se logra con las
sombras, aunque sean minúsculas e imperceptibles.
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| Hals, Retrato de un hombre, 1630 |
¿Pero si es una tela
transparente, como el chiffon o la gasa? Depende de qué técnica uses. Puedes
pintar un brazo a medias, sólo la parte de piel que quieres que se vea, y
aplicar una capa de pintura con pincel seco. O también pintar el brazo entero,
con todo detalle y comenzar a aplicarle veladuras, una sobre otra, hasta que llegues
a lograr esa transparencia. (Ya ves, cada tipo de tela tiene su secretito…)
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| Ingres, Princesa de Broglie, 1853 |
En definitiva, los artistas tenemos que traducir en el lienzo, con nuestro oficio y las limitaciones de nuestros materiales, la maravilla de la percepción y experiencias humanas.
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| Sargent, Miss Helen Duinham, 1892 |
Pintar es maravilloso… ¿no crees?
Fuentes: Albers,J. La interacción del color. Madrid, Alianza, 1998
Falcinelli, R. Cromorama. Barcelona, Taurus, 2020
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| Miguel Ángel, Fragmento de "La Creación de Adán", 1512 |
Miguel Ángel. Qué más se puede
decir de él.
Escultor, arquitecto, poeta,
pintor… Más escultor que pintor, es por eso que no hemos hablado mucho por aquí
sobre él. Pero con la Capilla Sixtina basta y sobra, ¿no?
Detestaba la pintura. El era más de cincel. Allá por 1505 el Papa Julio II le había encargado las esculturas para su tumba. Andaba en esos quehaceres cuando al mismo Papa se le ocurrió que la Capilla Sixtina necesitaba una reforma, una actualización, diríamos hoy.
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| Rafael, Retrato de Julio II, 1511 |
Fattori, Tormenta del Sudoeste
¿Cómo se pinta el viento?
¿Cómo se hace para pintar la
fuerza de la naturaleza con un elemento invisible como el viento? Lo mismo pasa
con la lluvia…
Invisible, sí.
Para hacerlo visible hay que
mostrar los efectos de esa fuerza natural. No se pinta el viento, se pinta un
sombrero que se vuela, las olas del mar que se agitan, una bandera ondeando,
una ropa tendida que casi está por despegarse de la soga…
O un árbol como éste, aguantando
la furia del “libeccio”, el viento potente e imprevisible de Livorno, en la
Toscana italiana.
Elegí este cuadro de Fattori para
analizar este mes, pues siempre me llamó la atención.
Es un cuadro sencillo, pero con
mucha fuerza emotiva.
Como todos los paisajes de
Fattori, el líder de los “macchiaioli”.
Te invito a contemplar este
cuadro, eso sí, bien resguardados en casa. Hoy, nada de andar por la playa.
Fuentes:
Broude, N. The Macchiaioli. New Haven, Yale Univ. Press, 1987
Farinella,
V. Giovanni Fattori. Milano, Cimorelli Ed., 2025
Cano, El rey de España, 1640
Alonso Cano, ¿asesino?
Si me lees desde hace tiempo, ya
sabes que en la larga lista de pintores de la Historia ha habido de todo.
Asesinos, malos tipos, avaros, soberbios, santos, investigadores, usureros,
prestamistas, héroes…
Hay un caso muy peculiar, el de
Alonso Cano.
¿Quién fue? Uno de los más
famosos e importantes pintores del Barroco de Granada. Y no sólo pintor, sino
también escultor y arquitecto. Su padre era artista también y el niño creció en
el taller familiar. En Sevilla fue alumno de Herrera y de Pacheco, como
Velázquez, a quien, por supuesto, conocía bien y por quien testificó a favor de
su nobleza de sangre, para que éste pudiera conseguir el título de
hidalgo.
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| Cano, Inmaculada Concepción, 1648 |
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| Renoir, Baile en Le Moulin de la Galette, 1876 |
Cumplimos 12 años de blog. Mucho tiempo, ¿no?
Cada jueves, desde abril 2014, conversamos
sobre temas de la Pintura.
Y, como siempre, no sé cómo celebrarlo. Se me
acabaron las ideas originales.
Consulté con varios de los amigos lectores y
uno me dijo: “¿Por qué no relatas los 12 artículos más leídos de cada año?”. No
sabes lo que me estás pidiendo… ¡son más de 600 artículos! (¿Y los menos
leídos? Pobrecitos…)
Pues, empecemos:
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| Manet, Monet pintando en su taller flotante, 1874 |
Esta semana celebramos el Día del
Arte, a cuento del cumpleaños de Leonardo.
Nadie duda de que fue un gran
artista, de los más grandes.
La verdad, te digo que le estuve
dando vueltas y vueltas y no encontraba el tema apropiado para estas fechas. De
Leonardo ya hablamos tanto que ya es como suficiente.
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| Leonardo, Autorretrato (supuesto), 1512 |
Revisando bibliografía, buscando respuestas, me quedé con una frase de Turner, otro gran artista:
“El arte es una
profesión singular.”
Gauguin, A los pies de la montaña Thye, 1892
¿Qué es el Posimpresionismo?
Hay 3 artistas de fines del sg.
XIX y comienzos del XX que no sabemos dónde encajarlos. Tuvieron contacto con
los impresionistas, pero fueron más allá del Impresionismo y no se consideraban
como tales.
Te estoy hablando de Cézanne, Van Gogh y Gauguin.
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| Cézanne, Cesto con manzanas, 1893 |
