Cristina del Rosso: Rectángulos rotos

Stella, Hiraqla III, 1968 (Imagen: Kaeamura Museum)

Había mucha gente, tuve que esperar bastante para comprar mis colores y pinceles. (¡Señal de que todavía hay muchos a los que les gusta pintar!) Para pasar el rato me puse a mirar los bastidores: formatos tradicionales, alargados, cuadrados, circulares (los famosos “tondi”) (1), ovalados…

Mondrian, Composición en negro y azul
1926

Cuando empecé a pintar, hace muchos años (mejor no te digo cuántos), no había tanta variedad: sólo las medidas estándares y, si uno quería algo especial, había que armarlo… Rombo, faltaba el rombo. Bueno, el cuadrado invertido, como en Mondrian. Pero, ¿el rombo de toda la vida, el de ángulos agudos? ¿Y por qué siempre rectángulos? Un buen tema para el blog.

Vamos por partes.

Los seres humanos empezamos a pintar en las cavernas, no había límites de espacio. Después pasamos a las paredes de las pirámides y de las casas de Pompeya, a las catacumbas cristianas o a las iglesias… La Pintura es hija de la Arquitectura: nació pegada a la pared.

Peris, Retablo de la vida de la Virgen, 1410

Poco a poco se fue despegando: en los altares medievales, los escultores dejaban huecos para las imágenes religiosas. No había una forma definida del espacio a pintar: dependía del diseño general del retablo. La libertad de la Pintura vino por una necesidad: poder transportar las imágenes religiosas para la devoción individual. Y la forma preferida fue desde siempre el rectángulo. Así eran los iconos bizantinos. (Es cierto que había retratos romanos pintados en tablillas, pero esto se conoció mucho después.)

Miguel Ángel, Tondo Doni, 1503

Había también una justificación filosófica, iniciada por los pitagóricos: la Sección Áurea. El rectángulo, que haya sido construido según el número de oro, es proporcionalmente armónico. Las medidas actuales de nuestros lienzos no son arbitrarias: tienen que ver con esta tradición. (Como ya hablamos de esto alguna vez, te dejo el link: pincha aquí.) Agreguémosle a esto los avances de la perspectiva y el uso del óleo para que el cuadro sea visto como “una ventana abierta en la pared”. (También hablamos de esto antes: pincha aquí.) Los renacentistas convirtieron al rectángulo en el rey de los formatos.

Malevich, Cuadrado negro, 1923-29

Siempre hubo formatos cuadrados y circulares, pero éstos, por su simetría, complican mucho la composición del cuadro. En relación con la innumerable cantidad de obras rectangulares, hay muy pocos “tondi”: es un desafío muy grande para cualquier artista. Los cuadrados fueron rescatados por los artistas modernos preocupados por la geometría: Malevich, por mencionar a alguno. Los ovalados son derivaciones del círculo: una invención del Barroco, que luego fue una verdadera pasión en el Rococó.

Watteau, Verano, 1717

Sí, perfecto, pero todos éstos son figuras geométricas. ¿No se podría pintar un cuadro con bordes irregulares? ¿Por qué siempre rectángulos y etc.?

Torres García, Reloj constructivo, 1936

Esta pregunta no es una ocurrencia mía: ya se la plantearon otros antes. A principios del sg. XX la abstracción condujo a distintos experimentos que llevaron a la “abstracción geométrica”. Ya te mencioné a Malevich y a Mondrian, pero hubo muchos otros: Kupka, Delaunay, Albers, Bill, Moholy-Nagy, van Doesburg…

Rothfuss, 3 Círculos Rojos, 1948
(Imagen: MALBA)

Uno, en particular, marcó el camino a un grupo de jóvenes latinoamericanos: Joaquín Torres García. Cuando en 1934 éste volvió a su tierra natal, Uruguay, llevó consigo el constructivismo. Gracias a sus enseñanzas, Rhod Rothfuss, Gyula Kosice, Arden Quin y otros tantos del movimiento Arte Madí comenzaron a explorar las posibilidades de la geometría. Y rompieron el rectángulo.

Arden Quin, Diábolo, 1945

No me malentiendas: quiero decir que,
al jugar con la geometría, las fuerzas de las líneas exigían un más allá del bastidor. Ya le pasaba a Mondrian: las líneas se escapaban hacia afuera. Los Madi apostaron por soportes de contornos irregulares, las “formas recortadas”. No son bordes arbitrarios: ellos siguen componiendo los cuadros con figuras geométricas y según la Sección Áurea.

Rothfuss, Pintura Madí, 1948 (Imagen: MALBA)

Pero en vez de elegir formato y medidas según lo que querían pintar (como hacemos todos), en sus obras las figuras determinan la forma del contorno. Una consecuencia de esto es que, al no aparecer el acostumbrado rectángulo, el espectador toma más conciencia del fondo. Arden Quin, p.ej., creó obras con partes móviles, y, más adelante, soportes con relieves y planos ondulados (que, aunque están pintados, son más esculturas que cuadros).

A partir de los ’60 en USA resurge de nuevo este problema. Uno de sus mejores exponentes es Frank Stella con sus “shaped canvases” (lienzos moldeados). Comenzó trabajando con cuadros en forma de L, U, V, H; luego combinó curvas con rectángulos y cuadrados, y en patrones que se repiten. La geometría está dada por franjas o cintas de colores vibrantes, dinámicas: esto, junto con el formato gigantesco, produce una sensación de energía que recuerda a sus colegas de la pintura gestual, pero aquí no hay pinceladas visibles, ni mucho menos espontaneidad. Y el proceso también lo llevó a la escultura y a los cuadros tridimensionales.

Stella, Hagamatana II, 1967

Tanto en Madí como en Stella y sus colegas (Johns, Fontana, Newman…) lo que está en juego aquí es una nueva concepción del espacio. El borde del bastidor no tiene por qué ser el borde de la pintura.